Pablo Solari — ARTIST






Pablo Solari

 

Entrevista con el artista Pablo Solari —

1) Quien eres y que haces.
Mi nombre es Pablo Solari, nací el 13 de Abril de 1953 en Buenos Aires Argentina, de padres inmigrantes de Massarosa, Provincia de Lucca, Toscana, Italia. Me dedico al Arte Visual, trabajo varias técnicas óleo, dibujo a lápiz, tinta, acuarela, y otros tipos de dibujos como pasteles, carbonilla, pluma….

 

“Nostalgia”

 

2) Por qué el arte.
El artista nace con un pincel en la mano, lleva dentro suyo como genéticamente el arte, posee una forma de  ver todas las  cosas como personas u objetos, de un modo especial, en cada cosa el artista ve un punto o un algo de arte, “tiene ojos transparentes de niño, con la experiencia de un anciano” eso dije cierta vez para definir al artista. El arte es entonces el modo natural de vivir para el artista, como del ave volar, en el artista hacer arte. Y todo acto de un artista, aún el más cotidiano, como comer, caminar…. lo hace de un modo diferente. Asi cuando come, estudia los sabores y busca su armonía, ve los elementos y encuentra colores, observa, deduce, busca.. no traga simplemente. Al caminar sale a buscar elementos para plasmar en arte, desde una hoja seca en la vereda, un papel arrugado, una persona sentada o caminando y descifra que hace o que piensa esa persona, interpreta su interior, y luego la lleva al arte. Por qué “ojos de niños transparentes” pues tiene en ellos la pureza de buscar la belleza, no la contamina con un sentido material, si lo hiciera enturbiaría su mirada y la opacaría…. y “experiencia de anciano” pues comprende la vida, de tanto estudiar cada objeto o persona descubre esas historias, y las junta con sus propias experiencias personales y allí surge la obra de arte.

 

“Los sin trabajo”

 

3) Cuál es su primer recuerdo de ser artista.
Mis padres siempre me decían que yo desde muy pequeño, mi diversisón era sentarme y dibujar historietas, no escribía en el globo, pues no sabía escribir, pero luego me reía como si leyera. Pienso que fue a los dos años de edad. Luego a los cinco años de edad, recuerdo que un día mi madre, que era docente y muy pedagoga, me muestra un Calendario de la Cruz Roja que le habían regalado, tenía reproducciones de clásicos italianos, me lo muestra, yo lo veo, me asombro y le digo “esto es lo mío”, ella me miró y me dijo “ya lo sé”, “te lo regalo”.Luego también a los 14 años de edad, me regala un libro el “Martín Fierro” ilustrado por Castagnino, y le puso una dedicatoria que siempre recordaré “esto es tu vida, que te sirva de inspiración, no para que lo copies”…

 

“Los inundados”

 

Ya a los ocho años de edad, mis padres que siempre me apoyaron me enviaron a una escuela de arte infantil, a los trece años de edad, reproducía clásicos, recuerdo que la profesora me había dado a reproducir “la lechera” de Vermeer, y lo quería hacer igual, estaba terminándolo, me detuve en una canasta de mimbre y hacía todos los detalles, se acercó la profesora, tomó una espátula y me lo corrigió haciendo como una mancha me dijo “así hacelo”, la observe, guardé todos mis elementos y me retiré, antes le dije a la profesora “no copio nada más”, y no lo hice. Al llegar a casa, mis padres se enfadaron y me dijeron, vas a la escuela de Bellas Artes, les dije “no voy, no saben pintar, voy a estudiar por mi cuenta”. Y ellos que siempre me apoyaron y estimularon me compraban libros de artistas de todas las épocas, yo estudiaba sus estilos y biografías, pero no quería nada de influencias, por eso no miraba a lo más contemporáneo. Me quedé en mi gran maestro en Giotto, luego Miguel Angel, Caravaggio, Fattori, Fra Angélico, Van Gogh, Rafael, fueron mis elegidos y de ellos algo siempre guardé.

Y me dediqué por años a estudiar desde pnceladas, colores, estilos que recorrí todos, además dibujar constantemente desde personas, estudiar anatomía y expresiones, como objetos. Por eso hoy en día no copio nada, cada objeto lo llevo en mi mente, alguna vez alguien dijo de mí, luego de una exposición de dibujo mía “que era capaz de dibujar lo que me imaginaba, sin tener nada delante mío.” Dos hechos que ocurrieron en mi vida me decidieron de lleno a dedicarme a la pintura. En 1993, mi padre estaba mal en el hospital, yo trabajaba en una empresa también él a pesar de ser jubilado, me dice una noche mientras lo cuidaba “renunciá al trabajo, yo me busco otro trabajo, te compro pinturas y vos dedicate a la pintura”, mi padre al otro día falleció… y cumplí con su pedido. Luego en 1999, mi madre fallece, me desalojan pues había perdido mi trabajo en 1995 y no conseguía nada, quemo la mayoría de mis pinturas pues no tenía donde guardarlas, guardé unas pocas, voy a vivir a una provincia a 1000 kilómetros, pero venía cada tanto, hasta que conocí a un restaurador muy importante, Piero Bernini, lo fui a visitar para que me enseñara a hacer Iconos al modo clásico para tener un modo de vida, me preguntó si había alguna vez pintado al óleo, le llevé dos obras, y me dijo “déjese de embromar, me las presta” a los dos días tenía la principal galería de arte de Buenos Aires, para exponer.

 

“La Veronica”

 

4) Cuáles son sus temas favoritos y medios de comunicación.
Mis temas son  libres, lo tomo de la realidad los interpreto, veo una escena la pienso, le busco el sentido  y luego la pinto, pero con mi interpretación. Los temas que más me piden son la zafra, la vendimia, las hinchadas de Boca en la Cancha. Pero siempre me las piden en gran formato. Los medios de comunicación para mostrar mi obra, la preferida por mi, es exponer, poner mis obras en una galería, quedarme primero a un costado y ver las expresiones de los observadores, luego acercarme y dialogar con ellos.También utilizo facebook, instagram en menor medida. Tengo un estilo personal y definido, que definí como Realismo Interior, pues represento el interior de las personas, sus sentimientos, mientras los voy pintando entro en díalogo con ellos, les pregunto que sienten, les traslado sus sentimientos a la pintura, y luego muchos de los que tienen obra mía, se me acercan y me dicen que se quedan horas frente a esa obra, como dialogando con los personajes, pienso que he logrado algo que siempre busque´. Que mis obras tengan un sentido, que sea muy visible y elocuente, por eso lo refuerzo con los detalles, todos ordenados a ese mismo sentido.

He caminado todos los estilos, dejé de lado lo abstracto, pues no le encontré sentido, ya que mientras pinto, lo mío es muy racional, voy pensando la anatomía, las luces y sombras, los reflejos, los detalles y expresiones… todo racional.  Llegué a hacer en un momento hiperrealismo, pero luego lo deseché pues era sólo una mera manifestación de un virtuosismo, saber copiar. Pero me quedé con algo del cubismo, algo de impresionismo.

 

“Generacion virtual A”

 

5) Cómo trabaja y se acerca a su tema.
Una vez que decidí un tema a pintar, lo pienso, pienso todas las variaciones posibles, pero mentalmente, una vez que veo en mi mente la obra, no hago boceto pues si lo hiciera sería luego como copiar ese boceto, pongo ante mí la tela en blanco, y comienzo a pintar, sin dibujo previo, quiero la libertad absoluta. La libertad absoluta la logré en un momento cuando ví que las leyes tanto cromáticas como compositivas, eran una traba. Cree mis propias reglas. Mis reglas cromáticas, vi que en la naturaleza están todos los colores, deseché las leyes cromáticas, y pensé los colores en base a los básicos, y me dediqué a jugar con ellos como a inventar colores. Así cuando tengo que poner un verde, no pienso en el verde, sino en un amarillo y azúl, o en un amarillo y negro, o con otro color además en pequeña proporción para dar un tono. Mis colores los combino sobre la tela, no en la paleta. De modo que si estoy pitando a una persona que tiene una camisa amarilla, por ejemplo, junto a él la otra persona en sus ropas tendrá algo amarillo, como para ir ligando cromáticamnete a los personajes. Uno de los modos como me han definido es como “Poeta del Color” que para mí es un título que amo.

En cuanto a la composición, busco siempre un primer plano, y luego las perspectivas las voy dando con la profundidad de los personajes que se van achicando en la distancia, y luego el paisaje a veces y en alguna obra he puesto hasta tres perspectivas distintas, pero que todo hace a reforzar el conjunto y mantener al observador dentro la obra. Además en la composición juego con los dos elementos más importantes para el artista, los ojos y las manos. Los ojos pues por ellos entra el exterior y por las manos como el pincel del alma. Así en la composición, las miradas indican direcciones al igual que las manos que le indican al observador para donde deben mirar, que caminos visuales para ver toda la obra, además reforzada por lo cromático, con colores en lados opuestos que se repiten pero llaman a mirar de un lado al otro. No uso colores puros, sino siempre en combinación. No utilizo el blanco puro, pues es la ausencia del color y además entre todos los colores un blanco llama toda la atención, entonces siempre los apago con un ténue tono de otro color.

 

“El valle de las uvas”

 

6) Cuáles son su obra de arte preferida, artistas.
Hay dos obras, una el Tondo Donni de Michelángelo, y la otra “la hora del almuerzo” de Pio Collivadino, un artista argentino, esa obra recuerdo estaba en la escuela primaria, donde durante las clases siempre dibujaba y escuchaba al maestro, en un libro de lectura estaba, no decía el autor, lo descubrí  hace tres años, y es un grupo de trabajadores almorzando, me marcó en lo social.

En cuando a los artistas, Giotto es mi gran maestro, de él deduje la composición. Miguel Angel por la fuerza y movimiento de sus personajes que a pesar de su peso material parecen elevarse, al igual en él la libertad cromática. Raphael por la delicadeza de la pincelada. Caravaggio de él aprendí a cómo pintar o dibujar las ropas, además me indicó la cromática, lo descubrí en él, que no ponía todos los colores, si ponía el azul no el verde, y no usaba un amarillo cadmio, entonces vi a otros clásicos y ví lo mismo, y dije pero si en la naturaleza están todos los colores, por qué limitarse a unos pocos, además en los clásicos dominaba la oscuridad para unir a los personajes o colores, entonces dije, la imagen actual es la Alta Definición donde se debe ver todo, por ello quité la oscuridad plena en mis pinturas, y no uso el negro puro tampoco para las sombras, siempre llevan unos toques de otros colores. Fra Angélico, de él aprendí la fuerza cromática y la multiplicidad de personajes que hacen a expresar un sentido común,  de esa escena. Giovanni Fattori de él aprendí la expresión, su fuerza. Van Gogh aprendí a manejar el amarillos y sus tonalidades, además lo expresivo.

 

El sembrador en los desiertos de piedra

 

7) Cuáles son las mejores respuestas que ha obtenido a su trabajo.
Podría decir de premios que he obtenido, pero hay otras cosas que me dan orgullo. Los premios los recibí sin buscarlos, alguno he enviado obra pensando que era una feria y no sabía que era concurso, el sentido del concurso no tiene nada que ver con el sentido del Arte. Algo que me enorgullece es que hay varios países donde se estudia mi estilo en las escuelas de arte. Otro motivo, es que siempre reconocen que mi obra es mía, me han dicho muchas veces críticos, periodistas, entendidos, coleccionsitas, que si ponen una obra mía entre mil todos reconocerían cuál es la mía. A tal punto que hubo obras que terminé y no firmé, luego que me la compraron, vi el detalle y le dije al comprador, espere que la firmo, la respuesta fue siempre la misma, “para qué si todos saben que esta obra es suya.”

Me han buscado siempre, los que se dicen entender de arte, que me parezco a tal o cual, yo luego les demostré que no, tomando una obra de ese otro artista y hacer la misma obra pero con mi estilo, y cerré el tema. Luego le digo lo que siempre digo “Pablo Solari pinta y dibuja como Pablo Solari”.
Otro motivo, es que muchas veces me han hecho entrevistas, notas, por medios gráficos, virtuales, televisión, radio…. Pero nunca pagué por ello. También una pintura mía de 3 x 4 metros en la Catedral de Cusco, ahora en el Museo de Arte Arquidicocesano de Cusco, Peru. Dos obras mías del Papa Francisco en la Basílica San José de Buenos Aires.  Que algunas obras mías estén en varias colecciones muy importantes, y que los que tienen obra mía no las vendan, sino que la conserven.

 

“El descenso”

 

8) Qué le gusta de su trabajo.
Yo no doy una obra por terminada, si yo veo algo que no me gusta. Me gusta que es libre, y logré expresar lo que quería, pero todavía no logré lo que busco, sé que uno debe siempre mejorar, mi trabajo digamos me gusta en un 99%, siempre hay algo que falta aún. Me gusta si, que surgió de mí, que no me basé en otra pintura o en otro estilo, sino que hice esa obra todo desde mi interior.

9) Qué consejo le daría a otros artistas.
Que en el arte no todo está permitido, en el Arte está permitido sólo el Arte.
Que tengan siempre los ojos transparentes, que busquen hacer Arte, no sigan a otros, que se encuentren a sí mismos en su obra. Que lo económico es para las galerías o comerciantes no para los artistas, no corrompan la nobleza que lleva en su interior el Artista. No sigan modas, sean personales, no sean otros, no copien….

 

“Boletin y sopa”

 

10) Dónde te ves dentro de 5 ó 10 años.
Seguro que pintando y dibujando, mi tiempo vuela, no me doy cuenta de los tiempos. Mi rutina es siempre la misma, me levanto, desayuno comienzo a pintar, hasta antes de acostarme a la noche, siempre así y todos los días, sin descanso. Sólo descanso cuando voy de viaje a exponer en el exterior, pero igual siempre llego o lápices, papeles, colores para pintar. Siempre cuando pienso en una obra mía, no la pienso como que se va a vender en tanto, sino pienso en que debe ser de tal calidad que sea digna de estar en un museo. Espero dentro de 5 ó 10 años tener obras mías en varios museos.

 

 

Pablo Solari

 

 

 

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